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ARTE FUSE (US)
“Mario Mandala” at HACO (by Jonathan Goodman)
https://artefuse.com/2019/03/22/mario-mandala-at-haco/

PDF – English / PDF – Japanese (translation)
（※和訳が英語原文の下にあります / Japanese translation is under English original text)

Mario Tauchi’s show of drawings, one on wall but the rest on paper, at HACO (an alternative gallery on the edge of the East River in Williamsburg) combines a graffitti esthetic with a strong component of mandala art. Tauchi, an artist in his mid-forties, living and working in Tokyo, combined with the space’s director Yoko Suetsugu to put up a group of works that are linear and organically complex. The drawings manage to successfully merge Western and Asian esthetics; Tauchi spent two years in Philadelphia as a student, and is clearly influenced by the street culture lying at the basis of American popular art. At the same time, the curving intricacies of his paintings, achieved by felt pen, relate an ongoing interest in the mandala, the Buddhist aid to meditation. Who would have thought that the merger of these two very different points of view would work? They do work, though, very much so, in this set of pieces that indicate once again the current esthetic for aligning cultures coming from very distant geographical points.


Mario Mandala, “Untitled”,  Mural drawing with marker, 8’x10′.


The large work done on a black wall, called Untitled (Mural) (2019), covers a span of eight by ten feet. It consists of an uneven ring of biomorphic, globular shapes, each one containing a different organic pattern. In one of the contained spaces on the upper left, a small spray of semicircular patterns, forming something like a vault, rises out of the shape it is connected with into empty space. The overall plan of the work is improvised; the shape of the connected forms might be a series of galaxies tied together in space; or, less poetically, a group of designs whose pattern might be found on a rug or paisley wallpaper from the 1970s. Generally speaking, the show merges these intricate, linear schemes in ways that emphasize joined imageries, abstract in expression and directed toward an elegance of means, visually and intellectually. The Mural expresses this very well, and its limited life on a wall that will be painted over accentuates our experience of its momentary design.


Mario Mandala, “PDG”, acrylic painting, marker drawing, 42″x 36″.


Mario Mandala, “Authentic”, acrylic painting, marker drawing, 31″x 45″.


Another, smaller work, called Emptiness (2018), consists of a light-red sphere, donut, and pyramid vertically produced over a chain of organic forms, which like those that form the mural, interlock as they build a connection from one shape to the next. On the left side, one of the connecting elements looks very much like a mass of spaghetti; inside and outside this necklace of shapes are small, slightly rough spheres that create a momentary equilibrium with the larger forms they embellish. The three red geometric forms, more sculptural than two-dimensional, exist in contradistinction to the chain of black shapes they exist on top of. Perhaps the title gives us the sense of a Buddhist perception; it is as if the composition were deliberately filling a void with abstract visuals. Authentic (2018), a drawing on paper, uses color more than the other works on show. It consists of a golden circle with an open center on the upper left, a brown pyramid on the left, and a brown sphere on the upper right (none of the forms is visually complete). Underneath these images is a wreath of complex, interlocking shapes, much like those described above, but with a difference: they are colored light red and white. Forms penetrate other forms, establishing a sexualized, if abstract, imagery. The work conveys something of a manmade ambience, something of a cosmic atmosphere.


Mario Mandala, Emptiness, acrylic painting, marker drawing on canvas, 32″x 26″.


Emptiness (2018) presents a large, false Japanese character on top of a double wreath of linked shapes brought about in black color. One immediately thinks of the Zen Buddhist notion of the void, even if the design we see fills the space it has been painted on. The imposition of an unreadable character on Tauchi’s characteristic welter of complicated forms, along with a distinctly spiritual title, indicative of Buddhist thought, creates a broad array of experience, visual and philosophical. The experience of the show, in general, is not overtly spiritual–the mandalas, always distorted here, seem to be used for visual reasons rather than religious ones. But, still, it is impossible to disassociate the mandala from its original purpose in meditation. It cannot be made completely secular. Perhaps this is the strength of the show: its mixture of the worldly and implications of Buddhist spiritualized forms in works that demonstrate unusual skill and compositional intelligence. Cross-cultural seeing and creativity have become near clichés by now, yet commonplaces of this sort are not completely without meaning. Tauchi discovered a street esthetic in America, and he uses it. Additionally, he remains a claimant of Asian perception. The combination is not easy to handle, given that the differences between Tokyo and New York are so great–in ideas and in art. But he has successfully set up a series of correspondences in paintings that speak to the jumbled, cross-pollinated spirit of our time. He is to be congratulated for his efforts.


Mario Mandala at HACO
March 2 – April 7, 2019
31 Grand street, Brooklyn NY11249

www.haconyc.com

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Jonathan Goodman
Jonathan Goodman is an art writer based in New York. For more than thirty years he has written about contemporary art–for such publications as Art in America, the Brooklyn Rail, Whitehot Magazine, Sculpture, and fronterad (an Internet publication based in Madrid). He currently teaches contemporary art writing and thesis essay writing at Pratt Institute in Brooklyn.

【和訳】
「マリオ曼陀羅（ Mario Mandala）」展／ HACO NYC

 グラフィティの美意識に曼陀羅美術の要素を強烈に組み込んだ田内万里夫（Mario Tauchi）の個展が、ウィリアムスバーグ（ニューヨーク・ブルックリン）のイーストリバー沿いにあるオルタナティブなギャラリー、HACO で開催中だ。ギャラリーの壁面に直接描かれた絵とともに飾られているのは、概ね紙を支持体としたドローイング作品である。東京に拠点を構える40代半ばのアーティストである田内の有機的で複雑な線画が、HACOのディレクターである末次庸子（Yoko Suetsugu）の手により展示されている。西洋と東洋の美意識が、それらドローイング作品のなかで、見事な融合を果たしている。学生時代の２年間をフィラデルフィアで過ごした田内がアメリカのポピュラー・カルチャーに通底するストリート・カルチャーから影響を受けていることは明確である。と同時に、フェルトペンを用いて描かれた入り組んだ曲線は、仏教的な瞑想を促がす曼陀羅へと繋がる意識と結び付いている。極めて乖離したふたつの要素が、このような融合を果たし得るなどと、いったい誰が考えただろうか？しかし、全く異なる地点より生じたこれらの美学が現代において見事に融和し、相互的に機能している。

先ずは「Untitled (Mural)」(2019)と題された、おおよそ8 x 10フィート（2.5 x 3メートル）、黒い壁に直接描かれた大型の作品である。生命体にも似た、丸みを帯びた複数のフォルムが環状に連なっており、それぞれの内部には異なる有機的なパターンが描かれている。左上部には半円形の飛沫のようなパターンが立ち現われており、虚空へと誘うアーチを思わせる。インプロヴィゼーション（即興）で描かれた作品だが、これら結び付く個々の形状は宇宙空間で調和する数多の銀河系の姿なのかもしれない。そのような見方が詩的すぎるのだとすれば、別の言い方も可能だ；まるで1970年代のラグ（敷物）やペイズリー柄の壁紙にあるようなパターン模様が連綿と続いているようにも見て取れる。端的に言えば、この展示においてはこれらの複雑な線画によるアブストラクトな表現を用いつつ、物事の意味に対するエレガントな誘導と、そのための複合的な象徴化が、視覚的かつ知的に為されているのだ。

壁の絵よりも小型の「Emptiness（PDG，2018）」と題された作品が展示されており、こちらは淡い赤系の色で描かれた球、ドーナツ、ピラミッドの形が垂直方向に、あの壁の絵と同様に次から次へと連結し合うオーガニックな図案のうえから配置されている。画面左手に連なるエレメントはまるでスパゲティの束のようだ。内へ外へと入り乱れるネックレスのごとき形状だが、細かく、しかし若干の緩さを持って空間を取り巻いており、その大きな集合体が刹那的均衡を生み出している。黒い線で描かれるそれら有機的な構成要素とは対照的に、二次元というよりも立体を思わせる三種の赤い幾何学的なフォルムが、そのうえに描かれている。おそらくはそのタイトルが仏教的思想を思わせるためかもしれないが、これらの配置はあたかも、アブストラクトな空間に対し、明確な意図に基づいて配置さえているように目に映る。「Authentic（2018）」は紙に描かれたドローイングだが、ここに展示されている他の作品よりも多くの色彩を用いて描かれている。金色の円が左手上部に配置され、その下方にピラミッド、そして右手には球体が描かれている（いずれも画面から見切れており、視覚的に完結していない）。これらのイメージの背後には、やはり複雑な結合を見せるリース状の図案が描かれているが、先に解説したものとは異なり、薄い赤と白によって着色されている。それらフォルムが重なり合うことで、抽象的な表現を用いれば、セクシャルなイメージを構成している。この作品からは、人工的なアンビエンス、もしくは宇宙的な印象とも呼ぶべき何かが派生している。

「Emptiness（2018）」と第されたこの絵 には 、実在しない巨大な 漢字が、黒い線で描かれた二重構造に連なる円環に重ねられて示される。画面上は隈なく装飾が為されているものの、禅仏教における無の空間観念が直ちに想起される。 田内の 作品を特徴づける複雑なフォルムに重ねて描かれたこの解読不能な文字が、 仏教思想を連させ、そして明らかな精神性を感じさせるタイトルを伴うことで、視覚的かつ哲学な体験を提供している。今回の展示が特にスピリチュアルな構成であるというこではない。いずれも歪んだ曼陀羅が提示されてはいるが、それはむしろ視覚的効果を動機とたものであり宗教性を感じさせるものではない。しかし、それでもなお曼陀羅の本来持つ瞑想的な効果と切り離して考えることは不可能である。このような創造が信仰とまったく無関係であるはずがない。おそらくそのことが、この展示を際立たせているのだ。非凡な技術と知的な構成力に裏打ちされて示される世界観と、仏教的精神性を伴うフォルムによるミクスチャーが展開されている。クロスカルチャー的視点と創造性は、今やある種のクリシェと言っても良いものだが、そこに意味が伴わないということではない。田内はアメリカのストリートに美学を見出し、それを活用しているのだ。そのうえで、彼はアジア的な解釈を主張することを忘れてはいない。考え方においてもアートにおいても極めて大きくことなる、東京とニューヨークというかけ離れたふたつの場所に思いを馳せれば、これらの融合を図ることは容易いこととは言えない。しかし彼は自らの絵画的創造において、それら異質な要素を融合させ、私たちのこの時代の精神を異花受粉させることに成功した。その努力は祝福され得るべきものである。

Mario Mandala展、HACO NYC
2019年3月2日～4月7日
31 Grand Street, Brooklyn, NY 11249

www.haconyc.com

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ジョナサン・グッドマン（JONATHAN GOODMAN）
ニューヨークを拠点とするアートライター。30年以上に渡り、コンテンポラリーアートに関する記事を「ART IN AMERICA」、「THE BROOKLYN RAIL」、「WHITEHOT MAGAZINE」、「SCULPUTURE」、そして「FRONTERAD（マドリッドのWEBメディア）」において執筆している。ブルックリンのプラット・インスティテュートで教鞭を取り、コンテンポラリーアートに関するライティング、および主題に基づくエッセイ・ライティングの講師を務める。

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Interviewed by Forbes JAPAN (text by Setsuko Ishii)
世界を驚嘆させる日本人曼陀羅作家は「ある夜の奇妙な衝動」から誕生した
https://forbesjapan.com/articles/detail/32543